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slow view on Montréal, art, design & fashion industry
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Here are some Womenwears collections that inspire me in Spring 2017 / Moscow @mfw_ru. You can see other collections on my Pinterest or on my #FashionWeek
Stas Lopatkin Spring-Summer 2017 Moscow Womenswear Catwalks
Stasia & Stasia Spring-Summer 2017 Moscow Womenswear Catwalks
Yanina Couture Spring-Summer 2017 Moscow Womenswear Catwalks
Here are some Womenwears collections that inspire me in Spring 2017 / Jakarta @jktfashion. You can see other collections on my Pinterest or on my #FashionWeek
Ayu Dyah Andari @ayudyahandari Spring-Summer 2017 Jakarta Womenswear Catwalks
Lusense Kd And Hans Virgoro Spring-Summer 2017 Jakarta Womenswear Catwalks
Raymond Leonard Spring-Summer 2017 Jakarta Womenswear Catwalks
Du lundi 5 décembre 2016 au dimanche 8 janvier 2017, Marie-Claude Marquis @_mcmarquis_ expose ses plus récentes œuvres à la galerie Station 16 @station16mtl.
Touchant autant le design graphique que l’art visuel, Marie-Claude Marquis possède une esthétique hybride entre l’affiche et le tableau. En esquissant ses compositions à l’ordinateur, mais en les peignant à la main sur la toile ou en explorant avec l’aquarelle puis en finalisant son illustration numériquement, son processus de création repose autant sur la technologie que sur la tradition. Son travail porte particulièrement sur l’identité québécoise, les souvenirs, la nostalgie, la pop culture et ses propres émotions qu’elle exprime avec sa touche féminine et une sensibilité colorée.
J’ai découvert Marie-Claude Marquis, MC Marquis pour les intimes, lors du concours Art du Style 2012. Elle présentait un tableau et moi, une robe. Nous n’avons pas gagné. Ce n’est pas toujours les meilleurs qui gagnent.
Par la suite, ma eboutique, Fibres Collectives @fibrescollectiv, nous avons collaboré avec MC pour notre visuel de l’événement Noel 2015.
Bref, c’est une artiste drôle et talentueuse que j’adore 🙂
Du mercredi 30 novembre 2016 au dimanche 19 mars 2017, des œuvres de Wim Delvoye seront présentées à DHC/ART @DHCART (451 Rue Saint Jean, Montréal, QC H2Y 2R5) qui soulignent la stratégie singulière de l’artiste. Celle qui consiste à employer la fusion et la torsion pour créer un nouveau contexte et offrir une nouvelle signification à une variété d’objets, de symboles et d’icônes.
Depuis la fin des années 1980, l’artiste belge Wim Delvoye suscite la controverse et met au défi le statu quo du monde de l’art par sa pratique multidisciplinaire qui comprend la sculpture, le dessin, la photographie, l’installation et la vidéo. Le public montréalais a été initié à son œuvre lors de la présentation de Cloaca N° 5 à la Galerie de l’UQAM en 2009. Issue d’une série, cette machine-sculpture audacieuse reproduisait le système digestif humain par lequel la nourriture est traitée et transformée en matière fécale. Cette œuvre de Delvoye offrait un aperçu du regard critique qu’il pose sur notre société de consommation intensément capitaliste. À DHC/ART, une présentation majeure de ses sculptures, vidéos et dessins récents nous plongera encore davantage dans son étude d’une gamme de sujets connexes, entre autres le branding, la notion de classe, l’économie, la technologie et la mondialisation.
Dans la série Car Tyre (2011), le modeste pneu en caoutchouc est élevé au statut d’objet d’art précieux au moment où sa surface utilitaire se couvre de dessins ornementaux minutieusement ciselés à la main.
Twisted Dump Truck (2011) est un camion à benne en acier inoxydable sur lequel des motifs gothiques complexes ont été découpés au laser; la torsion de la carrosserie du camion contribue à déstabiliser encore plus notre lecture de son unité sémantique et physique.
Des œuvres sculpturales réalisées à partir de statues néo-gothiques oubliées, comme La Pêche clockwise (2011) et La Pêche counterclockwise (2011), sont également reformées et déformées en somptueuses tornades de bronze nickelé conçues pour ébranler les idées reçues et élargir les interprétations.
DHC/ART présentera également une sélection des célèbres tatouages sur peau de cochon de Delvoye. Ce projet, qui a soulevé un tollé chez les activistes de la cause animale, amalgame finement les bases prétentieuses de la collection d’œuvres d’art, l’humble rang du cochon et la notoriété du tatouage pour déclencher un questionnement sur les notions de classe, de valeur et d’artisanat.
En plongeant dans l’univers de Delvoye, des relations binaires comme sacrées/profane, valeur/utilité, culture majeures/mineures, et traditionnelles/moderne commencent à se profiler. Plutôt que de s’en tenir à la polémique, l’œuvre de Delvoye suggère un réseau de significations, où des idées contradictoires peuvent cohabiter dans une sorte d’harmonie exquise ou dans ce qu’il qualifie lui-même de «juste émulsion». La chimie conceptuelle, le sens de l’humour, les juxtapositions esthétiques et la présence physique émouvante qui caractérisent la pratique de Wim Delvoye livrent une critique intelligente, capable de provoquer une réflexion approfondie sur nos liens avec la panoplie de systèmes, de hiérarchies et de discours qui façonnent et influencent notre condition contemporaine.
Jeudi 24 novembre, de 10h à 20h, pour une journée seulement, dans un espace scénique situé au troisième sous-sol du 1515 rue Ste. Catherine O. Le EV OS3-845/855 est accessible par l’ascenseur du personnel ou l’escalier au coin des rues Mackay / Ste-Catherine, Maryse Goudreau présente son exposition de maîtrise des beaux-arts, concentration : photographie, de l’Université Concordia.
Maryse Goudreau, artiste multidisciplinaire, vit et travaille à Escuminac (Gaspésie) et à Montréal. Maryse Goudreau touche aux procédés de la photographie, l’archive, la vidéo, le performatif et le participatif. Posant un regard croisé par le sociologique, le politique et l’anthropologique, elle développe des archives thématiques. Par une approche hybride, elle tente de libérer les images de leur relation statique à une histoire officielle, de créer des espaces narratifs, littéraires et où la mémoire est une arme.
Elle est connue, d’un public plus large, pour avoir découvert ce qu’elle croyait être un char d’assaut de la Seconde Guerre mondiale dans son boisé agricole commun en Gaspésie. Pour se libérer du fardeau symbolique de ce tank, Maryse Goudreau a créé de divers happenings artistiques autour de cette découverte d’inusitée.
Du jeudi 17 novembre au dimanche 11 décembre 2016, Jocelyne Le Bœuf @jocelyneleboeuf, directrice recherche et valorisation des Design Labs de L’École de design Nantes Atlantique vous invite à “Faire mouche grâce à l’image” – Exposition rétrospective de l’affichiste Nelu Wolfensohn au Centre de design de l’UQAM @centrededesign
Le travail de l’affichiste et professeur à l’École de design de l’UQAM @Design_UQAM Nelu Wolfensohn fait mouche lorsque vient le temps de capter l’attention du spectateur. Il sait lui faire comprendre en un éclair, une idée, un message, par le biais d’une image et de peu de mots. Le public pourra découvrir l’étendue de son talent dans l’exposition rétrospective Notes vagabondes présentée au Centre de design de l’UQAM. Plus de 90 affiches, la plupart sélectionnées dans le cadre des concours internationaux, témoignent de l’actualité politique, sociale ou culturelle, se référant autant à la réalité québécoise qu’aux problèmes universels de notre époque.
Sur une note plus personnelle, voici l’affiche PARLONS DESIGN! L’Affiche promotionnelle pour l’École de design industriel de l’Université de Montréal créait par Nelu Wolfensohn en 2000. Lorsque j’ai terminé mes études en architecture au CEGEP du Vieux Montréal @cegepduvieuxmtl, je cherchais un programme d’étude supérieure pour continuer ma formation. J’ai hésité entre l’architecture, le design industriel ou le design d’intérieur. En visitant le pavillon d’aménagement, je fus saisi par cette affiche. Je retrouve ici les couleurs, la texture et la sensualité d’un objet design qui m’interpellent. Ainsi, je me suis inscrit en design industriel.
P.s. Dans l’affiche , la Panton Chair (Pantonstolen). Une chaise en plastique en forme de S, créée dans les années 1960 par le designer danois Verner Panton @Verner_Panton
Vernissage : mercredi 16 novembre, à 18 heures
Here are some Womenwears collections that inspire me in Spring 2017 / Barcelona @080_bcn_fashion. You can see other collections on my Pinterest or on my #FashionWeek
Miriam Ponsa@miriamponsa Spring-Summer 2017 Barcelona Womenswear Catwalks
Tcn @tcntotoncomella Spring-Summer 2017 Barcelona Womenswear Catwalks
Txell Miras @txellmirastw Spring-Summer 2017 Barcelona Womenswear Catwalks
Qu’ont en commun les artistes Caroline Monnet, Marc Séguin, Geronimo Inutiq, Hannah Claus et Ludovic Boney ? Ils participent au laboratoire de création intensif DÉRANGER lancé par l’Office national du film du Canada @onf!
Du 6 au 10 novembre, suivez ce projet jour après jour sur Facebook et Intragram d’ONF . Par la même occasion, on vous invite à assister à la présentation publique des oeuvres le 10 novembre à 18 h 30 au centre d’artistes OBORO (4001, rue Berri, métro Sherbrooke). L’entrée est gratuite avec un nombre de places limité.
Qu’est-ce que c’est DÉRANGER? DÉRANGER c’est un laboratoire de création intensif lancé par l’ONF, destiné aux jeunes artistes établis, multidisciplinaires et francophones, issus de la communauté inuite et des Premières Nations.
7 artistes autochtones francophones vont collaborer pendant
5 jours pour créer
3 prototypes d’œuvres d’art médiatique qui seront présentés
1 soir seulement le 10 novembre à Oboro
Les sept artistes invités ,
Caroline Monnet @cocomonnet, artiste multidisciplinaire algonquine, commissaire et porte-parole du laboratoire Déranger.
Geronimo Inutiq, artiste multimédia et musicien électronique et électroacoustique inuit.
Sebastien Aubin @aubinsebastien, artiste graphique cri.
Eruoma Awashish Art visuel, artiste visuelle atikamekw.
Meky Ottawa @MekyOttawa, vidéaste atikamekw.
Jani Bellefleur-Kaltush, cinéaste innue.
Ludovic Boney @lboney519, artiste-sculpteur huron-wendat.